Все записи
12:33  /  24.03.20

193просмотра

Жизнь в цвете

+T -
Поделиться:

Алексей Николаевич Ваулин

 

Родился 15 января 1974 года в Москве. Учился в Московском Академическом художественном училище памяти 1905 года, на декоративно-оформительском отделении (1990-1994) у И.Э.Латышева, а также в Государственном институте искусств на отделении станковой живописи (1994-2000) у  О.Н.Лошакова. Живет и работает в Москве. Член Союза художников Москвы с 2000 года, и Союза художников  России с 2001 года. В настоящий момент в основном занимается живописью и графикой. В разработке находятся проекты, связанные с другими направлениями искусства. Автор абстрактных композиций.

 Алексей Ваулин родился в Москве в 1974 году  и еще застал этот удивительный город таким, каким его запомнили и запечатлели все, кто любил – Борис Окуджава, Оскар Рабин, Эльдар Рязанов и другие выдающиеся деятели российского искусства. Застал Москву не только гламурно-шаблонной и европеизированной, какой она предстает сейчас, а разной – с отголосками характерных для нее давних патриархальных настроений, романтики и лирики 1960-х, кажущегося покоя и «безвременья» 1970-х, самоиронией и бурлениями 1980-х и т.д.. Этой возможности  лишены совсем юные авторы, живущие в практически заново отстроенном городе – в некоей искусственно сконструированной, «стерильной» атмосфере, отражающей лишь установки современной культуры. Алексею же повезло «поймать» осколки великой империи, впитать особую, уникальную атмосферу и культуру прошлого, которая ранее находила отражение во всем. Это наблюдение появилось здесь неслучайно, ведь у каждого художника есть свои особенные источники вдохновения, то, что его поддерживает и подпитывает. Когда-то Москва – именно такая, какой мы вспомнили ее выше – и особая «московско-интеллигентская» культура в духе к./ф. «Покровские ворота» была источником  важнейших впечатлений о мире для нашего автора. Алексей представляет вымирающий вид жителя Москвы как мегаполиса эпохи глобализации – он тот, кто ранее подходил под определение «типичный москвич»: человек, который любит и знает свой город, чутко реагирует на все его изменения и не просто живет здесь, а сам является частью его особой атмосферы, хранит некие негласные правила иронично-интеллигентного общения и элегантный, но сдержанный столичный дух.

                                               А. Ваулин "Кремль", холст, масло, 240х140 см., 2016 год

И сегодня у каждого из нас есть свои любимые уголки в этом городе. Значимые и дорогие места Алексея весьма показательны – это Третьяковская галерея и Большой театр. Одним из самых ярких и самых первых сознательных художественных впечатлений стала выставка И.И.Шишкина в Третьяковской галерее. Алексей был тогда совсем еще ребенком и ему запомнились не столько полотна «народного» мастера, сколько общее впечатление от этого похода: морозный день и долгая очередь в старую Третьяковку, ее маленькие залы, в которых картинам было будто  тесно, казавшийся ребенку таинственным и волшебным запах пыли и краски, а еще повеска «рама к раме» – как в огромных старых музеях, масштаба Эрмитажа или Лувра, с коллекциями которых мальчика знакомила мама. Она сыграла огромную роль в судьбе своего сына. Это она, выпускница и некоторое время сотрудник Института культуры, создавала в доме особую атмосферу, собирая по крупицам все, что касалось истории русского и западного искусства – альбомы, репродукции, записи, лекции, книги – и приводя в дом «чудаковатых» людей: профессоров, поэтов, а еще актеров и танцоров Большого театра, знаменитый «Щелкунчик» которого стал другим важным детским впечатлением. Она же первой обратила внимание на то, что ребенок не просто с интересом листает альбомы, а сам тянется к рисованию. Самые первые зарисовки, обратившие на себя внимание матери и ее богемных знакомых, появились у Алексея еще в дошкольном возрасте – это были довольно харáктерные наброски групп людей и попытки зафиксировать «говорящие» черты лиц, в большом количестве встречавшихся дома, в Москве и на отдыхе – на подмосковных дачах и у моря, в столь любимом советскими отдыхающими Крыму. В Москве семья часто делала вылазки на отдых в Тимирязевский лес: там, у пруда всегда было много отдыхающих и мальчика интриговало наблюдение за людьми – их динамичное поведение, игры, смех, ощущение захлестывающего счастья. Вот тогда-то и появились первые обратившие на себя внимание взрослых наброски человеческих фигур в движении – стремительные «скетчи» небольшого формата и смелые, свободные рисунки размашистых «человечков» на весь ватман.  

 Мама симпатизировала этим занятиям и чтобы поддержать инициативу сына и придать ей поступательное движение, отдала его сначала в детскую студию в легендарном, «воспетом» Ильфом и Петровым ДК им. Железнодорожников, а позднее – в лучшую в Северном районе Москвы Тимирязевскую художественную школу. Она никогда не давила на Алексея в плане выбора профессии, но старалась, чтобы ни одно значимое событие художественной жизни не прошло мимо сына. Так, в 1980-х яркими  вспышками в детском сознании стали выставки П. Филонова, А. Лентулова и К. Малевича в ЦДХ. Теперь, когда прошли годы со времени первых встреч с творчеством этих авторов, смешно и странно думать, что взаимодействие двух таких разных культур восприятия, двух принципиальных линий русской школы – реалистичной и беспредметной –  вновь встретятся в сознании художника много лет спустя, когда он сам станет студентом художественного вуза…

 Рисование было органичным состоянием Алексея. Принципиальное решение «стать художником» он принял еще будучи ребенком – слегка наперекор взрослым и в качестве вызова самому себе, о чем теперь вспоминает со смехом. Однажды, выполняя домашнее задание по рисованию, он возился с нехитрым учебным натюрмортом, изображавшим кофейник и блюдце. Кофейник удавался, а блюдце постоянно выходило кривым. Бумаги уходило все больше, натюрморт «замучивался», знакомые «убежденные реалисты» из числа преподавателей и некоторых родственников твердили, что надо писать до тех пор, пока не хватит мастерства изобразить «оба предмета в органичном союзе». От раза к разу техника вроде бы улучшалась, блюдце приближалось к идеалу, а «союза» не выходило.

 И вот тогда на глаза попался один из первых набросков – сделанный легко и быстро, он схватывал что-то важное о сути предметов и представлял их в некотором взаимодействии… Это был набросок с «неправильным» блюдцем, но рождавший чувство гармонии – и как-то особенно его автором прочувствовалась идея о том, что суть вопроса не в «правильности» формы, а скорее в «правильности» линии, цвета, тени, общего ритма, т.е. соотношения всех составляющих. Из таких маленьких и, казалось бы, смешных уроков строятся выводы, меняющие точку зрения раз и навсегда. Понять, как же возможна эта гармония «неправильностей» на холсте стало на некоторое время задачей начинающего художника – и утвердило его в мысли, что художником стоит быть, чтобы понять эту магию и иметь возможность донести свое мнение до окружающих.

 Процесс получения профессионального образования длился 11 лет и, в некотором роде, длится до сих пор – как продолжение постоянного накопления и обработки нового опыта. Сегодня художник известен как абстрактный экспрессионист. И это обращение к абстракции кажется совершенно естественным результатом  развития его видения и понимания живописи. В период с  1990 по 1994 годы он окончил Московское Академическое художественное училище «Памяти 1905 года». Учеба на отделении «Рекламы в архитектурно-пространственной среде» положила начало живописным экспериментам художника. Особое внимание в процессе учебы автор уделял взаимосвязи частей, их объединению в единое целое и гармоничному включению в окружающее пространство. Следующие шесть лет (с 1994 по 2000 гг.)  составляют период обучения на отделении Станковой живописи в Государственном институте искусств. В это время его учителями были И.А. Попов, И.А. Полиенко, А.В. Ишин и О.Н. Лошаков. Опыт, полученный здесь, позволил не только развить практические навыки работы в технике масляной живописи, но и более четко определиться с собственными художественными предпочтениями.

 Они оказались за пределами интересов чисто фигуративной живописи: уже в этот период чувствуется стремление автора к абстрагированию форм. Но это делается не ради формального эксперимента, а в процессе поиска наиболее адекватного пластического языка, подходящего для отражения собственных взглядов. Практически все выпускники российских художественных вузов рано или поздно встают перед необходимостью задуматься о том, каким же образом они могут использовать в современной ситуации полученные знания. Это давнишняя проблема нашего образования в сфере творческих специальностей: выпускники получают прекрасную профессиональную подготовку и школу, но зачастую не представляют, что с ней делать, потому что современная культура живет совершенно другими проблемами и говорит о них совершенно иными пластическими языками.

 Алексею в этом смысле повезло: выбор в пользу абстракции для него оказался абсолютно органичен – ему, по сути, не пришлось делать никакого «выбора» как такового, потому что стремление к абстрагированию форм проявилось само собой. Причем, сначала – как урок о том, когда же следует вовремя остановиться и оставить форму не вполне «завершенной» именно для создания эффекта ее наибольшей реалистичности и завершенности.

Позднее художник использовал это понимание рождения нужной автору формы для создания своих абстрактных композиций, таких как «Серебряный дождь», «Колесо судьбы» и находящейся в собрании Третьяковской галереи работы «Черный алмаз».

  А.Ваулин. "Серебряный дождь". 2000-2002. х., м. 170х200

 В это же время – в студенческие годы – постепенно вырабатывается собственная концепция картины. Она подразумевает совмещение разных точек зрения на ее значение: художественной, семантической и декоративной. С одной стороны, это материальный продукт с определенными параметрами, которые в современных условиях зачастую оказываются тесно связанными с интерьером и, в то же время, это совершенно особое пространство, призванное художественными средствами передать то, что плохо формулируется даже на словах: идеи, чувства, эмоции. .

 Это также стремление к цельности, как к отсутствию условностей в виде всевозможных иерархий: делений на «темное» и «светлое», «плохое» и «хорошее» –  к цельности, позволяющей воспринимать самые разные формы действительности как единый поток витальных сил. В этом Алексей является продолжателем традиции метафизической живописи и близок идеям русского космизма (философского мировоззрения, базирующегося на представлении о Космосе и о человеке как «гражданине Мира», а также о микрокосмосе, подобном макрокосмосу) – одной из интеллектуальных основ творчества наших мастеров авангарда начала ХХ века.

Школа.

 Что же находят в творчестве современных российских мастеров западные эксперты, подобные Кэтрин Бартон из аукционного дома «Christie’s», когда они говорят о том, что до сих пор ценят русскую школу? За этой размытой формулировкой кроется нечто весьма определенное. Это, прежде всего, уважение к принципиальным для истории искусства живописным традициям, рожденным на русской почве: древнерусскому искусству, русскому классическому искусству XIX – начала ХХ века во главе с высочайшими достижениями реализма, и  русскому авангарду.

 В последнее время к этому прибавляется интерес к современным авторам. Что роднит эти столь разные и даже разновременные школы отечественного искусства? Во-первых, маэстрия: высочайший уровень владения любой техникой, особенно живописью. Во-вторых – это особые, имеющиеся только у нас наработки живописной школы: отличный рисунок, узнаваемое отношение к цвету, особый пиетет пространства, его сложные, интересные разработки и неповторимое сочетание всех этих качеств в каждом конкретном случае. И, в-третьих, уровень нашего художественного мышления: Россия – одна из стран, постоянно генерирующих оригинальные теории и концепции, отличающиеся проработанностью философской, содержательной части. Все вместе эти качества составляют неповторимый коктейль, стучащийся в самое сердце, опьяняющий умы, поражающий воображение своей глубиной и масштабностью, всегда выгодно отличающий наших авторов на общем фоне. Эта бесценная школа до сих пор бережно хранится и передается ученикам наших художественных вузов. Ниже приведена информация об учебных заведениях, которые окончил Алексей Ваулин, а также творческие биографии его учителей: О.Н. Лошакова, А.Б. Арсеньева и других.

 МГАХУ памяти 1905 года.

 Московское государственное академическое художественное училище памяти 1905 года основано в 1925 году. С деятельностью училища связаны имена известных представителей российской культуры. Его преподавателями и художественными руководителями в разные годы были действительные члены Академии художеств СССР В.И.Бакшеев и А.М.Герасимов, член корреспондент Академии художеств СССР Н.П.Крымов, заслуженный деятель искусств РСФСР, профессор В.А.Шестаков, профессор С.Н.Фролов, доцент К.Ф.Морозов, художники П.К.Петровичев, П.А.Радимов, заслуженные художники РСФСР А.И.Саханов, А.М.Дубинчик, М.В.Добросердов и другие.

 И в настоящее время в училище трудится коллектив высококлассных преподавателей, среди которых многие отмечены почетными званиями и государственными наградами. В стенах училища получили образование многие выдающиеся личности: народные художники, члены Академии художеств, лауреаты государственных премий Ю.П.Кугач и Д.К.Мочальский, лауреат государственной премии СССР художник-плакатист В.С.Иванов, члены-корреспонденты Академии художеств А.П.Васильев, М.А.Богданов, О.К. Комов, Л.А.Соколова. Многие выпускники училища удостоены почетных званий: «Заслуженный художник Российской Федерации», «Заслуженный деятель искусств Российской Федерации», «Заслуженный работник культуры Российской Федерации».

В мире практически полностью утрачена академическая школа, верность который мы свято храним. Как выясняется, не напрасно: школы искусств Европы и США предлагают нам сотрудничество, посылают своих студентов к нам на стажировки».

 ГИИ

Государственный институт искусств – федеральное государственное образовательное учреждение высшего профессионального образования, создан в 1991 году по решению правительства СССР. В институте три факультета: театральный, музыкальный и изобразительного искусства. Восемь кафедр: гуманитарных дисциплин, мастерства актера, живописи и графики, дизайна, теории и истории музыки, вокально-хорового и инструментального исполнительства, народных инструментов и искусствоведения.

 Опыт учебы в этом ВУЗе, чей преподавательский состав на сегодняшний день является одним из самых сильных в сфере художественного образования, сыграл особую роль в становлении Алексея Ваулина как самостоятельного автора. Показательно, что Алексей – один из немногих выпускников своих курсов, кто не просто «работает по специальности», но и придерживается собственных художественных взглядов и развивается именно как художник, а не дизайнер или рекламщик (типичные «смежные» специальности выпускников художественных вузов). Немного подробнее о педагогах.

 ЛОШАКОВ Олег Николаевич

Родился 16 мая 1936 года в Москве, где живет и работает по сей день. Живописец. В 1947-1954 гг. учился в МСХШ, в 1954-1960 гг. – в Московском государственном художественном академическом институте имени В.И. Сурикова, где занимался в мастерской под руководством П.П. Соколова-Скаля.  С 1993 г. по настоящее время – в Государственном институте искусств – декан факультета ИЗО и заведующий кафедрой. Доцент (1996

ПОЛИЕНКО Иван Алексеевич

Родился 7 сентября 1950 года в поселке Деденево Московской области.  В 1982г. закончил МГАХИ им. В.И.Сурикова в театральной мастерской М. М. Курилко-Рюмина. Участник Московских, Российских и международных выставок. С 1985 года член СХ СССР. Лауреат премии г. Москвы в области литературы и искусства 2002 г. Работы Ивана Полиенко находятся в музеях и частных коллекциях в России и за рубежом. Талантливый мастер современной станковой картины. Заслуженный художник России. Член-корреспондент Российской Академии художеств.

 ПОПОВ Игорь Александрович

 Родился в 1927 году в Харькове. Учился в Московской средней художественной школе (1939-1945) у  В.В.Почиталова, А.П.Шорчева, П.Т.Кошевого. Затем учился в МГАХИ им. В.И. Сурикова (1945-1951) под        руководством В.В. Почиталова, С.В. Герасимова, вместе с В.Е. Попковым, В.Ф. Стожаровым, В.И. Ивановым,  А.А. Тутуновым, И. Шевандроновой, Н.И. Андроновым и др. Путешествовал по Северу, под впечатлением путешествия создал множество пейзажей северной  природы. В 1985 г. работал над росписями для  Дома  приемов. В середине 1970-х гг. возглавлял Московский союз художников. Выдающийся мастер городского пейзажа, создал множество тонких, лирических видов Москвы. Персональная выставка художника проходила в 1989 г. в Москве. Работы И.А. Попова находятся в ГТГ, ГРМ, в Киевском музее русского искусства, крупных региональных музеях, частных коллекциях в России и за рубежом.

Самобытные живописцы Добросердова, Лошаков, Полиенко, Ишин, Попов в разные годы преподавали Алексею живопись; Бенецкий, классик советского плаката Арсеньев и прекрасный рисовальщик Борисов обучали рисунку, график Яушев вел мастерскую офорта, Петрухин, Латышев и  Лошаков – занятия по композиции, а Купреянов – мастерскую скульптуры. Таким образом, за 11 лет учебы Алексей получил прекрасную школу, в которой нашлось место и мощной «васнецовской» традиции, переработанной другим талантливым автором – Иваном Полиенко, и даже «чистяковской» школе рисунка – в уроках Владимира Бенецкого, примитивизму Ишина, цветности и «романтичной суровости» Лошакова и многим другим чертам, которые создают удивительный колорит национальной русской школы живописи.

 При этом ученик пошел гораздо дальше своих учителей, усвоив уроки и многих других авторов: ведь у каждого художника есть персонажи истории искусства, которые учат его, независимо от времени, в которое они творили. К таким опосредованным влияниям можно отнести целые эпохи и стили: Алексей всегда выказывал особый интерес к первобытному искусству, с его лаконичностью и при этом повествовательностью, знаковостью, выразительностью линий и своеобразной живописностью; к эпохе итальянского Ренессанса – именно к целой эпохе, как к уникальному явлению небывалого взлета культуры, к этому особому универсальному масштабу мысли, гармоничности объединения частей в целое, к цельности и своеобразной ордерности, сделавшей этот период классикой. Интересовался культурой Китая и Японии, особенно наработками в области черно-белой графики и каллиграфии. Изучал символику и философско-мировоззренческую составляющую христианской культуры, отразившуюся в космизме архитектуры базилик, развитии канонов изображения религиозных образов и во многих других проявлениях творческой воли. Целой темой, надолго завладевшей вниманием в студенческие годы стало творчество Рембрандта – его удивительный цвет и система освещения, дававшие живопись невероятной красоты. Любопытные уроки построения формы и решения сложных композиций дал Веласкес.

 Практически параллельно Алексея увлекло искусство представителей французской школы, особые приемы Модильяни, придумки Пикассо (скрытые диагонали и другие секреты построения пространства картины), коллажи Матисса как одного из родоначальников абстрактного направления в искусстве, а также американская школа – во главе с Поллоком. Особое место в этих профессиональных симпатиях всегда занимали русские художники: интересовали пространственные модели Кандинского, Малевича и особенно Филонова, построения Лисицкого, геометрия Поповой. Так же вызывали интерес идеи, витавшие в воздухе еще с 1970-х и воспринятые от преподавателей (таких, как Иван Полиенко) и старших коллег (Мария Кулагина) – художественно-дизайнерские представления о построении картины как части архитектурной системы.

 Творчество

 

А. Ваулин "Холодный дом". 1999. Холст, масло. 110х110

Существует особый прием запоминания больших объемов информации, когда предлагается представить себе некое хорошо знакомое пространство и в воображении «заставить» его теми предметами, которые ассоциируются с определенными информационными блоками. Мысленно проходя по такому пространству и считывая подобные смысловые акценты, человек легко способен восстановить всю картину того, что ему необходимо было запомнить. Этот логический прием был известен еще в древности. «Холодный дом» – прекрасная иллюстрация такого приема в действии. Показательно, что художник не использует громоздкие и многозначные символы, а расставляет в своем пространстве простые и ясные акценты – маленькие следы больших событий. Эта «концепция следа» подчеркивает слоистость человеческой памяти, многоуровневость и сложную организацию ее виртуального пространства. По колориту работа близка к принципиально мрачноватой «васнецовской» школе, влияние которой также ощущается в минимализме деталей, их тщательной продуманности, некоторой условности и характерной обобщенности форм.

 В 2000-х гг. тема памяти в интерпретации Алексея Ваулина оказывается тесно связанной с темой одиночества. Даже в своей массе персонажи его картин выглядят потерянными и отрезанными от толпы – каждый живет в своем пространстве, которое практически не соприкасается с пространством других. Показательно, что и толпу образует множество, по сути, бесконечно одиноких людей – множество отдельных пространств. И мы начинаем более отчетливо ощущать, что единый поток жизни состоит из множества отдельных частных историй. Лейтмотивом этого периода являются своего рода «лики». Изображения фигур также имеются, но они практически теряются на фоне множества «ликов», которые схожи по своей «иконографии» акцентированными глазами и лбом. Возможно, именно поэтому данные изображения хочется назвать скорее «ликами», чем «лицами»: подобное выделение глаз и лба мы находим в произведениях иконописи – приведенное сравнение напрашивается само собой.

                                             А.Ваулин "Она", 2001. Холст, масло. 60х50

Беспокойство, внутренняя борьба и напряжение, которым дышат лики персонажей – все это настойчиво требует выхода. Поэтому фоном в произведениях данного периода звучит еще одна тема – темаосвобождения: освобождения, как выхода не некий новый уровень бытия, путем обретения ценного знания; освобождение, как духовный рост, внутреннее раскрепощение; освобождение, как завершение ученичества на определенном этапе и обретение мудрости, понимания сути вещей.

"

Как к единому центру притяжения все названия произведений художника стремятся к теме освобождения, содержат в себе ее зародыш. Названия многих работ повествовательны: художник составляет своего рода навигацию, пользуясь которой как подсказкой  даже самый невнимательный зритель выйдет на путь верной интерпретации содержания произведения. Появляются отвлеченно-символические названия: «Стремление к свободе» (2001 г.), «Молитва» (2001 г.), «Грезы» (2001  г.), «Водопад света» (2002 г.), «Сияние миров» (2003 г.), «Цветопластика» (2003 г.), «Космические миры» (2003 г.), «Возвышение» (2004 г.) и эмоционально-ассоциативные, такие как «Посвящение В. Хлебникову» (2001 г.),

                                                                А, Ваулин "Водопад света". 2002. Холст, масло. 170х200

 «Городские лужи» (2002 г.), «Северный маг» (2003 г.), «Катарина» (2004 г.), «Кармен» (2004 г.). Даже в выходе на абстрактные формы ему важно передать определенную эмоциональную атмосферу и, так сказать, смысловой заряд определенных явлений и понятий. Поэтому он задает направление мысли зрителя названиями. Но при всей их литературности, тема этого нового творческого периода, по сути одна – это тема космоса, как обретенного нового пространства бытия. 

                                                                   А. Ваулин. "Северный маг",. 2002. Холст, масло. 170х200

 Цвет. Если до 2000-х гг. художнику были свойственны весьма сдержанные цветовые сочетания, в благородной гамме которых делалось несколько ярких акцентов, то цвет в композициях нового периода – это живая материя. Сопоставление цветов, поэтому, воспринимается скорее как столкновение разных эмоциональных состояний, связанных с разным уровнем духовной эволюции. В живописи, а особенно в графике художник использует теперь чистый, открытый цвет и сочетания взаимодополняющих цветов – чтобы еще раз подчеркнуть мощь и чистоту звучания каждого.

Обычно в композиции присутствует не более трех-четырех цветов, среди которых зачастую превалируют красный или желтый. Дополнительным цветом, часто выступает синий или фиолетовый. Желтый, красный, синий – эти цвета нагружены долгой традицией использования и интерпретации художниками ХХ века. Можно сказать, что они обладают собственной «историей искусства»: их использовали фовисты и дивизионисты, пуантилисты и экспрессионисты. Но особое значение они приобрели в творчестве художников-абстракционистов: например, Малевича и Мондриана. Последний считал красный, желтый и синий основными  цветами,  а белый, черный и серый напротив– «нецветами».

 

                             А. Ваулин  "Чайка по имени Джонатан Ливингстон", 2006. Холст, масло. 80х100                                    

 «Нецветом» – «нулем цвета» – считал черный и Малевич. В данном же случае черный, появляясь рядом с другими цветами, играет равную с ними роль. Это полноправный цвет, который, как и другие, несет определенное информационное сообщение: сквозь черный просвечивают другие цвета и возникает мысль об относительности черноты и шире – об относительности «темноты».

 Черный Алексея Ваулина – цвет совершенно особенный. Подобный черный многогранен и разнообразен: он вбирает в себя множество цветов и опровергает свою однозначность. Он блестит и переливается на фактурных мазках и поэтому, как это ни странно звучит, кажется не менее светоносным, чем другие цвета; он разный по густоте и плотности – живой и такой же бесценный и необходимый для космоса «строительный материал», как и другие.

 Несмотря на наличие в живописи и, особенно графике этого времени множества прекрасных цветных композиций, создается ощущение, что в абстракции художник все больше тяготеет к монохромности. По его собственным словам «белый и черный являются торжественными, возвышенными цветами». Именно такое – праздничное – звучание эти цвета приобретают в работе, которая стала знаковой для художника – «Серебряный дождь». Здесь впервые автор отчетливо почувствовал, что работа не просто сложилась – выкристаллизовался собственный подход к работе с абстрактными формами. Сложная многослойная живопись смотрится легко и просто – как нечто совершенно естественное. Работа, одновременно, и фрагмент некоего бесконечного пространства, и завершенная картина.

А. Ваулин "Путешествие пилигрима",2001-2002.,х.м.,140х170

Благородный черный мы находим и в другом чрезвычайно важном для автора произведении, ныне находящемся в собрании Государственной Третьяковской галереи – «Черный алмаз» (2002). Конечно, вольно или невольно, автор этого произведения вступает в диалог с «Черным квадратом» своего знаменитого предшественника. Прежде всего, уже на уровне названия с этого цвета снимается закрепившееся за ним с некоторых пор негативное отношение: это – не квадрат, который воплощает творение человека уже своей квадратностью, ибо столь правильных форм в природе крайне мало. Алмаз же – изначально чисто природное творение. Черный алмаз – редкость. И потому его выделяет своим вниманием человек, который делает его неким мерилом ценности.  

   А. Ваулин "Черный алмаз". 2002. Холст, масло. 180х170.

 Техника, манера, стиль

Живопись. В настоящий момент Алексей, в основном, работает в традиционной технике живописи. Технологический аспект ему отлично знаком: еще в студенческие годы он освоил разные способы самостоятельного изготовления грунтов, вывел все необходимые оптимальные пропорции. Соблюдение технологии – очень важный момент, о котором чаще всего забывают современные художники, но который бесконечно ценят музейщики и реставраторы: правильно сделанная живопись действительно способна храниться веками (если только в планы художника не входило концептуальное уничтожение произведения), что отвечает одной из основных функций музея. Алексей очень внимателен к материалам и, в соответствии с поставленными задачами, использует разные краски, так как, в зависимости от производителя, они заметно различаются степенью укрывистости, фактурой и другими характеристиками. Для создания фактуры Алексей обычно использует многослойную живопись, иногда вводит какие-то дополнительные фактурные материалы. Порой, если это необходимо, для создания декоративного эффекта художник применяет всевозможные блески. Художник не делает большого секрета из того, что для создания своих характерных ритмических  «волн» и «спиралей», он использует мастихин и даже демонстрирует это на своих мастер-классах. Но как именно он это делает, каким образом из простых «формальных завитушек» рождается глубокое, сложно простроенное пространство – остается его загадкой.  В формальном плане Алексей Ваулин является представителем довольно редкого у нас абстрактного экспрессионизма и, в некотором роде, продолжателем традиции метафизической живописи.  Его стиль соединяет в себе классический подход к технической стороне живописи и современное смысловое насыщение произведений. Вообще, такое объединение классического и актуального начал характерно для всех проявлений творчества Алексея Ваулина.

 Графика. Графика в творчестве художника занимает особое место. Первая «коллекция» появилась совершенно замечательным образом: всего за три месяца 2002 года на одном дыхании сложилось около 500 композиций. В их числе – как полихромные, так и черно-белые работы. В графике продолжают развиваться основные стилистические особенности авторского почерка Алексея Ваулина, которые характерны для его живописи. Но, в отличие от работ, написанных маслом, произведения, выполненные темперой или гуашью на бумаге, решают другие задачи. В обоих случаях для художника чрезвычайно важен цвет, но, если в живописи многие колористические задумки достигаются посредством фактурности, многослойности, то в полихромной графике художник зачастую работает открытым цветом, использует яркие колористические решения, делает смелые цветовые и формальные сопоставления. Цвет преображается в живую пульсирующую стихию, которая каждый раз обладает особым характером. Некоторые сочетания – например, желтого с красным или черным – выглядят не просто беспокойно, а конфликтно. Но именно такая смелая игра держит зрителя в постоянном напряжении, волнует его и, в итоге, накрывает мощью цветовой волны, срывающейся с тысячи листов этой удивительной «коллекции».

 «Знаки», 2002, бумага,  темпера, 62х94   

 Черно-белая графика совершенно иная по своему характеру и настроению: будучи не менее динамичной и экспрессивной, чем полихромная, она, тем не менее, производит совершенно иное впечатление: исследование возможностей равновесия между белым и черным навевает отдаленные, подспудные ассоциации с искусством японской каллиграфии. В этом смысле монохромная графика более строга и выдержана – как краткое японское стихотворение, родившееся в одночасье, но завершающее период неких длительных размышлений…

 В 2009 году у Алексея Ваулина появилось несколько серий графики совершенно иного характера: одни из них разрабатывают тему архаики и напоминают изображения древних идолов неких неведомых африканских культур, другие похожи на знаки или же алфавит, изображенный в традициях восточного орнаментализма, третьи представляют собой яркие, фантазийные композиции большого формата

 Художественная активность автора: выставки, награды, благодарности, поездки

 Член Союза художников Москвы с 2000 года и Союза художников России с 2001 года. Живописец, график. Автор абстрактных композиций. Основные выставки:

1996    Осенняя Молодежная выставка, Кузнецкий мост, 20, Москва1996    «Мир звуков, мир красок» культурный центр Феникс (каталог)1997    Осенняя Молодежная выставка, Кузнецкий мост, 20, Москва1998    «Мир красок» культурный центр Феникс (каталог)1998    «Компьютерные художники Пушкину» Галерея Феникс (публикации)1998    «Преемственность» посвященная 850–летию образования Москвы, Гоголевский бульвар, 101999    «Московские Монументалисты» совместно с Н.Андроновым,  Ю.Шишковым, И. Лубениковым 1999    Весенняя выставка на Беговой, Московский Союз Художников России1999    «Россия», IX Всероссийская художественная выставка, ЦВЗ Манеж. (каталог)  1999    Молодежная выставка, Кузнецкий мост, 20, Москва (Диплом)    2000    Х Юбилейная выставка-конкурс «Золотая кисть – 2000», ЦДХ, Москва      (каталог) Диплом 2000    Благотворительная выставка  поддержка художников России, музеев Сербии и Словении. Галерея «Дом Нащекина» (каталог) 2000    Молодежная выставка, Кузнецкий мост, 20, Москва (Диплом «За лучшую картину»:«Люди, дома и цветы») 2001    «Москва глазами молодых» Дом Архитектора на Брестской, Благотворительный фонд «Лик» (каталог) 2001    Весенняя выставка в залах Союза художников России 2001    Молодежная выставка, Кузнецкий мост, 20, Москва (Диплом 1-ой степени) 2001    Юбилейная  выставка «70 лет МСХ». ЦДХ. (публикации) 2001    Благотворительный аукцион в пользу детей, больных лейкемией, при поддержке Горбачев-фонда. Музей современного искусства, Москва 2001    Арт-Манеж, ЦВЗ, Манеж, Москва (каталог) 2002    Арт-Манеж, ЦВЗ, Манеж,  Москва (Совместно с Е. Фатеевой) (каталог) 2002    Рождественская выставка МОСХ России 2003    Арт-Манеж, ЦВЗ, Манеж, Москва (каталог) 2003    «Московская Абстракция. Вторая половина ХХ века».  Государственная Третьяковская галерея, Москва 2003    «Абстракция в моде». ГТГ, Москва 2003    Молодежная выставка, Кузнецкий мост, 20, Москва (диплом) 2003    Арт-Салон 2003, ЦВЗ, Москва 2004    «На пути к неоэкспрессеонизму», галерея «А», г. Москва (каталог) 2005    «Художники без границ». Московский музей современного искусства, Москва 2005    Проект «Мемория». Московский музей современного искусства, Москва 2005    Молодежная выставка, Кузнецкий мост, 20, Москва (Диплом 1-ой степени) 2006    «Мир живописи и скульптуры». ЦДХ, Москва (Диплом за лучшую   абстрактную работу и активное участие в выставочной деятельности, каталог) 2006    «Перспективы». Молодые художники Москвы, Выставочный Зал на Кузнецком Мосту, 11, Москва, МСХ  (публикации) 2007    Арт-Манеж. Совместно с М. Суворовой. ЦВЗ «Манеж», Москва (каталог). 2007    «Молодые художники Москвы» Кузнецкий мост, 11 Кузнецкий мост, 20, МСХ 2007    «Молодые художники России» Союз художников России Всероссийская  художественная выставка, ЦДХ, Москва 2008    «Черное и белое»,  выставка произведений авторов из России и Китая. Галерея «Индиго Арт», Дом Архитектора, Москва 2009    30-ая, юбилейная выставка «Молодые художники Москвы», Новый Манеж, Москва (каталог) 2009    Международный Фестиваль современного искусства «Антика и Авангард».  Галерея «Зеленая Пирамида», Севастополь 2009    Участие в Первой международной бьеннале живописи. Национальный художественный музей. Кишинев. Молдова (каталог).2009    Участие в международной выставке «Мира творцы» под патронажем всемирного альянса «Миротворец», ЦДХ, Москва2010    Участие в четвертой и последней выставке «Мир живописи и скульптуры» или «Московский Союз художников прощается с ЦДХ», ЦДХ, Москва

Персональные выставки:

 «Люди, дома, цветы», ЦДХ, Москват2000    «Цветы», галерея «Асти», Москва 2001    «Биография души», Кузнецкий мост, 20,МСХ, Москва 2002    «Алексей Ваулин. Живопись. Графика», МОСХ России на Беговой, Москва 2002    «Абстракции. Живопись и графика», ЦДХ, Москва (буклет)2006    «Супраментальное», Центральный дом Архитекторов совместно с галереей «Индиго-Арт», Москва2007    Выставка произведений А.Ваулина. ЗАО «Ситибанк» (Большая Никитская, д. 15), Москва2007    Выставка произведений А.Ваулина. ЗАО «Ситибанк» (ул. Б. Грузинская д.  37/2), Москва 2009    «Декада. 10 лет за 10 дней», галерея «Кино» и офисное пространство фирмы «PALL», Москва, (каталог) 2009    «Искусство и бизнес». Персональная экспозиция из 23 работ в рамках одноименного круглого стола на Промышленной выставке «MEGATECH`2009». Выставочный центр «Инфопространство», Москва(публикации, буклет) «Приватное мироздание», галерея «Вересов», Москва, Россия, 2012 – «Приватное мироздание», галерея «Вересов», Москва, Россия (публикации, буклет), совместная выставка с японской художницей Наоми Маки, «Незримый мир: взгляд из Москвы и Токио»,галерея «Вересов», Москва, Россия (публикации, буклет) 2013, «Преподношение дракону»: Алексей Ваулин и китайские художники (ЛяньХуа и китайская народная живопись), галерея «Отокомае», Москва, Россия 2014,, «Приватное мироздание», галерея «Вересов», Москва, Россия  –«Не всё о Еве», галерея «Art-Constantis», Москва, Россия, 2015, «Персонажи», Музей современного искусства, Панама, Республика Панама, 2016, ;Путь пилигрима, три шага  Мухей Современго Искусства на “Дмитровской» Ростов на Дону, «Большой друг» Галерея Сезоны, 2017 COLGURISSIMO-«Музей «Садовое кольцо», 2017,. «Другая земля» гостиница Марко Поло, 2019, «От знака к образу» Брюсов Арт, 2019.

Из приведенного списка следует особо отметить участие Алексея в таких крупных проектах, как ставшая легендарной выставка Государственной Третьяковской галереи «Московская абстракция. Вторая половина ХХ века» в 2003 году и Первая международная бьеннале живописи в Национальном художественном музее в Кишиневе, которая состоится в декабре этого года. Третьяковский проект резюмировал достижения в области абстрактного искусства за более чем 50 лет и расставлял акценты в истории русской/московской абстракции. После участия в этом масштабном проекте, работа Алексея Ваулина попала в фонды Третьяковской галереи. Участие в международной бьеннале живописи также стало важным шагом, выводящим деятельность автора на новый – международный – уровень. 

 Работы находятся  в ГТГ, Московском  Музее современного искусства, Сербском музее искусств, Фонде М. Горбачева, галерее «Индиго-Арт», галерее «Кино», в собрании банка «Зенит», собраниях Константина Елютина, Михаила Горбачева, Оксаны Точиной, семьи Елены и Александра Малышевых,  коллекции Владимира Пашанина, Игоря Пистина и других частных коллекциях  России, Германии, Франции, Венгрии, Чехии, Австрии. 

    Автор текста, кандидат искусствоведения Илона Лебедева, Фотограф Рауль Скрылев