От плоскости к бесконечности: как художники XX века переосмыслили пространство?
Пространство и время: новые вызовы XX века
Пространство и время всегда были для художников способом говорить о реальности — о ее границах, изменчивости и внутреннем устройстве. Однако в начале XX века искусство пережило радикальные изменения, которые стали логическим продолжением многовековой эволюции. Эти новшества невозможно рассматривать в отрыве от предшествующего развития, но именно XX век стал временем испытаний, когда привычные системы координат начали разрушаться.
Авангард радикально пересмотрел принципы искусства, но к 1930-м годам его импульс угас как в России, так и на Западе. Художники, словно вырвавшись за пределы земного тяготения, оказались в ситуации, когда привычные значения исчезли и перед ними встал вопрос о новых смыслах. Некоторые не смогли справиться с этим кризисом: кто-то вернулся к более консервативным подходам, а кто-то полностью оставил искусство.
В начале XX века, в поисках путей обновления искусства, многие художники обратились к истокам — архаическим и первобытным формам культуры. Для авторов такое обращение к архаике стало способом исследовать язык искусства и понять его внутреннюю логику. На выставке это можно было наблюдать в полуабстрактных картинах Владимира Бехтеева конца 1910-х годов и Эдуарда Криммера 1920-х, работающих с плоскостным изображением. Эти произведения стали своего рода точкой отсчета, от которой диалог между работами разных лет разворачивался между двумя временными полюсами — эпохой авангарда и сегодняшним днем. Современный полюс в этом диалоге задавали работы, созданные в последние несколько лет, среди них — картина Ирины Тотибадзе «Изабелла» (2021). В выставочном пространстве она была размещена в горизонтальной плоскости и отсылала к легенде о древнегреческом художнике Зевксисе, чей виноград был настолько реалистичным, что привлекал птиц. Та же работа с традицией и изучение зрительного «осязания» можно увидеть и в картине Андрея Гончарова 1957 года. Его модель с лицом, напоминающим восточную маску, словно теряет четкие формы: объемы «плавятся», превращаются в пятна и бросают вызов нашему ощущению пространства.
В этих произведениях особое внимание уделено цвету, который создает новое ощущение объема. Это возвращает нас к исследованиям эпохи авангарда, когда художники изучали законы искусства. Например, авангардист Иван Клюн в своих поздних текстах писал о «цветовой перспективе», когда пространство передается исключительно с помощью сочетания цветов.
Влияние идей Фаворского
Идеи теории относительности Эйнштейна о текучести и изменчивости пространства, а также концепция «длительности» — времени как внутреннего, качественного переживания — Анри Бергсона оказали огромное влияние на художников XX века. Эти философские и научные взгляды подтолкнули их к поиску новых способов передачи реальности. Пространство и время стали неразделимыми категориями, которые художники стремились исследовать в своих работах.
В этом контексте фигура Владимира Фаворского становится особенно значимой. Его искусство нельзя назвать авангардным в обычном понимании, но он оказал огромное влияние на художников, которых мы причисляем к этому течению. Фаворский, начав преподавать в 1920-е годы, стал наставником для многих молодых авторов. Даже после того, как он прекратил преподавание, к нему продолжали приходить за советом, и его идеи оставались актуальными для разных поколений.
Фаворский первым в России разработал теорию композиции, которая стала ответом на потребность синтеза в искусстве того времени. Он утверждал, что главным предметом живописи является пространство и именно живопись, как «мать искусств», задает направление для новых форм. Это было отражено и в выставочной логике: акцент был сделан на картинах, с которых начинался разговор о пространстве.
Фаворский также считал, что картина живет по своим внутренним законам, независимо от автора. Для него важна была идея органического начала, которое художник должен уловить и передать. Например, комментируя одну из своих последних работ, рисунок «Натурщица с поднятой рукой», он писал о том, как импульсы формы отдаются подобно эху в края листа. Несмотря на то что, кроме фигуры, на листе ничего нет, само изображение создает поле напряжения. Идея самостоятельной жизни произведения оказала большое влияние на Эрика Булатова, поскольку легла в основу его собственной системы художественных средств.
Развитие этих идей прослеживалось и в творчестве Марии Кулагиной. Начав как живописец, в последние годы она пришла к созданию объемных произведений. Несмотря на трехмерность, ее работы сохраняют плоскостные условные формы, что создает парадокс: через двухмерные элементы она передает ощущение пространственности. Этот парадокс помогает понять многие эксперименты, в том числе более ранние. Так, еще Василий Кандинский говорил, что в искусстве важны контрасты и противоречия — именно столкновение противоположностей порождает новизну.
Новые формы искусства
Оригинальность подхода художников XX века к пространству заключалась в стремлении передать его как непрерывную ткань, как изменчивую категорию, а не статичное явление. Им казалось, что если показать динамику современной жизни, то задача создания современного произведения, произведения в духе времени, будет выполнена. Это меняет композицию: она становится открытой и взаимодействует с окружающим миром. И в то же время поднимает вопрос о границах между зрителем и художником.
Конечно, это осмысление началось раньше. Еще в XIX веке Шарль Бодлер в эссе «Поэт современной жизни» говорил о необходимости художника постигать жизнь, наблюдая ее в движении. В XX веке эта идея приобретает новые формы и значения. Художники, в первую очередь авангардисты, начали осознанно разрушать границы между зрителем и произведением.
Здесь можно вспомнить объединение «Мир искусства» с его проектами идеального художественного пространства. В павильонах для Всемирных выставок архитектура, живопись и прикладное искусство объединялись в единое целое. Впервые художники настолько приблизились к тому, чтобы создать особую целостную художественную среду, которая оказалась предшественницей современной инсталляции.
Инсталляция, в свою очередь, привела к рождению перформанса и сделала зрителя активным участником художественного процесса. Это изменило саму суть искусства, потому что граница между искусством и реальностью стала постепенно размываться, породив концепцию «смерти автора» в конце XX века.
