Режиссер Масааки Юаса: Я хотел бы сделать анимацию, которую наш глаз не отличит от фотореалистичного изображения

Почему вы решили стать аниматором?

Когда мне было 13 лет, в Японии как раз случился бум аниме. Я его много смотрел и изучал, как художники рисуют движение персонажей и объектов. В основном это были черно-белые картины, в конце 70-х они были очень популярны. Помню, как следил за шоу по телевидению и записывал на кассеты нужные мне фрагменты. У меня было много любимых авторов, сейчас могу вспомнить только Цутому Сибаяму («Дораэмон») и, конечно, Хаяо Миядзаки, его «Принцессу Мононоке» (1997) я разобрал до мельчайших деталей. Еще покупал журналы с мангой, но все же анимация меня больше привлекла. Из-за моего научного подхода к работе можно увидеть, что я много взял от любимых режиссеров.

В сборниках своих лекций Миядзаки говорит, что один из важнейших элементов анимации — это походка героев. По ней можно понять их характер. Согласны ли вы с ним?

Да, потому что любые движения тела передают эмоции и чувства героев. В начале карьеры мне было трудно добиться от персонажей естественности. С опытом стало гораздо легче: так, в «Ину-о» по мере действия походка главного героя меняется. Хочу заметить, что жесты и мимика — лишь внешняя часть персонажей, а это далеко не все. В своих работах я стремлюсь к тому, чтобы зритель чувствовал за оболочкой их внутренний мир.

В ваших последних полнометражных фильмах есть большие музыкально-танцевальные номера, а в сериалах их нет. Почему?

Для меня в фильмах недостаточно хронометража, чтобы полноценно раскрыть историю. Поэтому я прибегаю к поддержке музыки, которая помогает кратко сказать о многом. В многосерийных проектах времени на сюжет хватает, поэтому можно избежать танцевальных номеров, требующих огромного ресурса. Каждый кадрик вручную рисуется командой художников, и если на диалогах можно отдохнуть и сэкономить силы, то на богатых движениями моментах — нет, нужно добиться максимальной плавности анимации.

С начала режиссерской карьеры вы курировали контент для самой разной аудитории: для детей «Лу за стеной» (2018), для взрослых «Япония тонет 2020» (2021), для подростков «На твоей волне» (2019) и так далее. Как вы определяете, кто будет смотреть вашу следующую картину?

Я никогда не решаю преждевременно, для кого создаю следующий проект. Мне кажется, это никогда нельзя предугадать. Только в процессе работы я вижу, какими элементами обрастает идея, какая эстетика ей лучше всего подойдет. Сам под нее подстраиваюсь, а не направляю в заранее придуманное русло.

В 2014 году вы основали свою студию Science Saru, что довольно рискованно в условиях дикой конкуренции в анимационной индустрии. Расскажите, чувствуете ли вы давление ответственности?

Конечно, эта тяжелая ноша всегда лежит на продюсере и главном режиссере студии. Задача первого — убедить второго, что его проект будет удачным. А задача режиссера, как мне видится, — решать проблемы по мере их поступления. Я стараюсь не думать об успехе и деньгах, а только о работе — в этом суть моей профессии.

Если бы вам дали безграничное количество времени и денег, что бы вы создали?

Я мог бы попробовать себя в обычном полнометражном кино, было бы интересно поиграться с технологиями 3D. Но не уверен, что проекты этого формата кого-либо заинтересуют, также будет сложно найти команду. У меня есть необычная мечта: я хотел бы сделать анимацию, которую наш глаз не отличит от фотореалистичного изображения. Но, так как безграничное финансирование мне вряд ли светит, можно и не задумываться о таком безумстве.

Беседовал Дмитрий Елагин