Основатели онлайн-школы для художников Get Art Fit — о современном художественном образовании
Существует ли сегодня кризис специализированного художественного образования? Как обстоит ситуация с ним в России и на международном рынке?
Софья Шапкина: Прежде чем говорить о кризисе и прочих апокалиптических веяниях нового времени, мне как куратору и арт-дилеру хочется сначала сказать, что, на мой взгляд, мы живем в прекрасное время для художников. Такое количество ярких, очень разных, самобытных авторов — просто голова кругом. И самое главное, что у них все больше возможностей быть увиденными и услышанными — вне зависимости от дипломов, регалий и академических траекторий.
Хотя мой путь сам по себе довольно классический (включая магистратуру в Академии Штиглица, PhD по истории искусства), мне очень нравится, что сейчас карьера художника все больше сосредоточена в руках самого художника, а не только институций и индустрии. Это, конечно, требует больше смелости и самоорганизации, но и дает невероятную свободу.
Ирина Разумовская: Да, я тоже так чувствую — кризис действительно есть именно в специализированном образовании. Просто он не столько про «все развалилось», сколько про «все изменилось, и мы пока не до конца понимаем, как именно это теперь работает». У меня тоже вполне традиционный бэкграунд: сначала Академия Штиглица, затем магистратура в Royal College of Art в Лондоне, где я уже шесть лет преподаю. За это время я изнутри наблюдаю, как образовательная система постепенно меняется и ищет новые формы.
Почти все международные школы уходят от академизма и начинают предлагать гибкие, адаптивные программы. Меньше догм, больше внимания тому, как художник будет жить и работать после выпуска. Как строить свою практику, как выходить в поле, как не теряться в реальности. Но тут появляется и другой момент — чем больше свободы, тем больше растерянности. Не все к ней готовы. И иногда отсутствие технической базы подводит.
В России чуть сложнее. Очень сильная школа с точки зрения техники, и это, правда, наше золото. Но при этом важно понимать, что креативность, умение высказываться, формировать новые смыслы и образы — это тоже навык, его нужно развивать, и с этим пока тяжело. Также нужно не упускать важную вещь: современный художник — это не тот романтичный творец с музой на плече, самозабвенно пропадающий в мастерской днями. Это человек, который умеет себя продвигать, понимает, как устроен арт-рынок, как выстраивать диалог с институциями, как формулировать свою позицию. Он умеет вести бизнес, в конце концов. А этому часто просто не учат. И не потому, что не хотят, а потому, что сама система пока не перестроилась.
Как вы видите, с какими трудностями сталкиваются сегодня современные художники? Чего им не хватает?
Мне кажется, самая большая трудность сегодня — это то, что от художника ждут всего и сразу. Ты должен быть и автором мощных проектов, и стратегом, и продюсером, и менеджером, и блогером, и немножко психологом себе самому. Веди социальные сети, строй личный бренд, пиши заявки, продавай работы, умей говорить с кураторами, оформлять договоры, выставки, доставки.
Это, конечно, колоссальная нагрузка. Многие просто не выдерживают. Художники выгорают не потому, что они «не выдерживают конкуренции», а потому, что это нечеловеческий объем задач. И часто просто не хватает структуры — четкого понимания: что делать в первую очередь, на что опираться, как не утонуть во всем.
Да, и здесь такая парадоксальная история: свободы и возможностей стало больше, но вместе с этим и тревоги стало больше. Раньше была какая-то внешняя система, пусть не идеальная, но она предлагала понятный путь: институт, мастерская, диплом — и вот тебя заметили. Сейчас все стало флюидным — и это круто, но пугающе.
А еще им часто не хватает сообщества. Того самого ощущения, что ты не один, что можно советоваться, делиться, ошибаться не в одиночку. Мы с Соней именно поэтому и запустили нашу школу, потому что поняли: не хватает мест, где можно не только учиться, но и быть в процессе вместе с другими.
Расскажите про школу Get Art Fit. Как пришла идея ее создания?
Все началось спонтанно — во время локдауна. Мы с Соней много болтали по телефону, потому что банановый хлеб мы печь не умели. И в этих разговорах все чаще всплывала одна мысль: сколько классных, талантливых художников, наших коллег, с кем мы учились, так и не смогли по-настоящему встать на ноги в профессии. Просто потому, что в академии не готовят к реальному миру — к рынку, к коммуникации, к выживанию в профессии. У меня как раз уже был опыт преподавания в RCA, где есть курс по профессиональной практике, и мы подумали, что было бы круто сделать такой проект для художников из стран бывшего СНГ.
Да, сначала все было по-домашнему: мы провели пару эфиров в социальных сетях, собрали сайт «на коленке», записали первые лекции — и к нам пришли наши первые семь учеников. Кстати, мы до сих пор на связи с каждым из них. Тогда мы поняли, что это нужно людям — к нам шли художники и даже прощали нам все шероховатости, которые были вначале. Так маленький проект из локдауна превратился в нашу школу Get Art Fit.
Как составлена программа обучения в Get Art Fit?
У нас есть несколько разных программ, и вся методология построена так, чтобы знания и навыки были действительно применимы в сегодняшнем арт-мире. Мы делим обучение на два больших направления. Первое — это творческое, через формат онлайн-резиденций. Там студенты развивают мышление, учатся создавать новые смыслы, работать с образом, формировать свой художественный язык.
А второе направление — карьерное. Мы учим художников выстраивать свою карьеру пошагово: формулировать свою позицию, оформлять портфолио, подаваться на резиденции и гранты, вести коммуникации с институциями и галереями. И у нас много обратной связи: open crits, индивидуальные разборы, обсуждения — мы верим, что рост невозможен без диалога.
И, конечно, наша гордость — преподаватели. С нами работают кураторы из ММОМА и Третьяковки, художники с Венецианской биеннале, лауреаты Премии Кандинского — люди, которые не просто учат, а живут в этом поле каждый день.
Какие карьерные возможности открывает школа перед студентами?
В идеальном мире, конечно, все наши выпускники становятся востребованными художниками. Но в реальности, как мы знаем, профессия художника — это, прежде всего, долгий и упорный труд. Мы не обещаем волшебную таблетку, но точно даем четкое направление, куда двигаться творчески и карьерно, структуру и среду, помогаем художникам в своем творчестве, оставаясь собой, быть мощнее, звучать четче и громче и, конечно, поддерживаем участников на каждом шагу.
Да, и у нас действительно много классных кейсов. Например, керамистка Лора Зюзина с проектом, который мы вместе «довели до ума» на резиденции, прошла сразу на три международные биеннале по керамике, сейчас открыла соло-выставку в Париже. Около двадцати наших выпускников получили визу талантов и теперь живут и работают в Европе и США. Кроме того, нас читают и смотрят кураторы и галеристы, потому что знают: наши выпускники подготовленные, с понятным портфолио, текстами и четким пониманием, чего от них хотят. Поэтому многие начинают выставляться после окончания программ.
Как появился совместный проект с галереей ART&BRUT?
Помимо наших программ и курсов, мы регулярно проводим опен-коллы — открытые наборы, в которых может участвовать любой художник, не обязательно студент школы. Для нас важно предоставлять художникам реальные возможности выставить свои работы. За последние пару лет мы организовали уже семь выставок в Москве и Петербурге, и две из них — совместно с галереей ART&BRUT.
Нам очень близок подход ART&BRUT: они работают с современными российскими художниками, активно ищут новые имена, формы и смыслы. Это галерея, у которой есть вкус к эксперименту и интерес к живому, актуальному искусству. Когда мы запускали наш новый проект Bloom ArtLab — лабораторию для смелых, еще не оформленных до конца идей, — было очевидно, что это нужно делать именно с ними.
Расскажите подробнее о проектном методе, который вы разработали.
Мы не изобрели проектный метод, конечно, но, кажется, стали его главными амбассадорами и популяризаторами в России. Мы про него много говорим, пишем, учим, применяем, потому что верим, что это — ключ к устойчивой и осмысленной художественной практике.
Если коротко, проектный метод — это подход, при котором произведение создается не просто по вдохновению, а через внятный процесс: от идеи — через исследование, выбор медиума — к реализации. Это не значит, что исчезает интуиция и спонтанность — просто они встраиваются в структуру.
Такой метод помогает художнику не просто «делать красиво», а формулировать высказывание, включать в него личный, культурный, социальный и даже экономический контекст. Это делает искусство не только более понятным, но и более точным.
Именно так мы работали с художниками Bloom ArtLab — помогали пройти этот путь шаг за шагом: от смутного образа до четко сформулированного проекта.
Как проходил отбор художников?
Для Bloom ArtLab мы сделали открытый опен-колл — участвовать мог любой художник, независимо от возраста, опыта и образования. И если честно, мы не ожидали такого отклика: пришло почти 500 заявок со всей России. Это было очень вдохновляюще и одновременно безумно сложно, когда нужно было отобрать всего пять участников.
Жюри было смешанным: куратор выставки Елена Шевелева, мы с Соней от Get Art Fit и команда галереи ART&BRUT. Мы действительно очень внимательно отсмотрели каждую заявку — особенно обращали внимание на идею проекта, ее свежесть, проработанность, эскизы и портфолио. Нам было важно не просто увидеть талант, а почувствовать, что участие в Bloom ArtLab может стать для художника настоящим рывком. Что проект, реализованный в рамках лаборатории, поможет автору выйти на новый уровень, попробовать что-то более амбициозное и сразу показать это публике — а значит, продвинуться дальше.
В каком экспериментальном пространстве работали художники? Какие возможности открывает выставка перед начинающими художниками?
Выставка Bloom прошла в самом центре Москвы — в галерее ART&BRUT на Чистых прудах. Пространство небольшое, но светлое, с хорошей атмосферой и идеально подошло для показа пяти финальных проектов. Перед художниками стояла интересная задача: не просто показать свои работы, а именно обыграть пространство, чтобы идея проекта зазвучала максимально точно. Надеемся, у нас это получилось.
Такая выставка — это огромный шаг для начинающего художника. Во-первых, это работа с реальным куратором, опыт экспонирования, возможность прожить весь путь от идеи до показа. А во-вторых, это важная инвестиция в будущее: понимание, как работает проектный метод, как выстраивать высказывание, как разговаривать со зрителем и пространством. Ну и, конечно, новая строчка в CV — это всегда приятно, особенно когда за ней стоит реальный опыт.
Беседовала Александра Адаскина