Конструктивизм, апсайкл и сказки. Архитектор Валерий Лизунов о тенденциях отечественного предметного дизайна

В противовес интернациональному искусству новым трендом в российском дизайне стала деглобализация визуальной культуры. Причем поиски собственной идентичности происходят одновременно на национальном и личностном уровнях. По сути, понятие «национальность» было искусственно смоделировано в XIX веке в связи с объединением государств и форсированием империй. Соответственно, любой единый «национальный» стиль всегда диктовался сверху. Но культурная идентичность не может быть навязана. Она формируется естественно из множества факторов исторического развития и, конечно, находит самое яркое свое выражение в предметах интерьера.

Осовременивание народных промыслов

Художники все чаще обращаются к традиционным формам и народным промыслам. Сегодня довольно явственно заметна тенденция к нанесению на предметы современного дизайна росписей и орнаментов под хохлому, гжель и жостово и их реализация в различных техниках, например вышивке.

Пример менее подчеркнутого обращения к народному и орнаментальному — представленные на выставке зеркала-стихии Ольги Силантьевой: «Солнце», «Земля», «Вода»». Здесь нет прямого копирования народных промыслов и узоров, но связь с традиционной культурой считывается сразу.

По форме зеркала уподоблены традиционным деревянным гребням. Это непосредственное отражение функции предмета в его внешней форме, потому что изначально ритуал «прихорашивания» связывался именно с расчесыванием. Любое дизайнерское решение, не важно, идет ли речь о предмете интерьера, одежды или о чем-то еще, — это комплекс эстетических и функциональных характеристик. Поэтому, когда предмет не только функционален, но и на уровне формы рассказывает историю о своем назначении, это свидетельствует о качественной и всесторонне продуманной работе автора. 

Углубляясь в детали и рассматривание, хочется отметить работу с орнаментом, здесь это простые ритмы полос-зубьев. Сами по себе орнаменты — это всегда творческий сплав природы и религии, в основе которых лежат сведения о строении мира и происходящих в нем процессах. Здесь они органично соединяются с современной формой.

Кстати, я бы не назвал этно-стиль исключительно русской особенностью и привилегией предметного дизайна. Гжель, жостово и хохлому использовали в своих коллекциях такие модельеры, как Жан-Поль Готье и Валентино.

Желание попасть в сказку

Еще одна тенденция и второй тип обращения к народному — через сюжеты. Преимущественно сказочные и фольклорные. Возможно, это связано с тем, что именно сегодня нам всем хочется сделать мир немного добрее и лучше. Приукрасить действительность. К тому же именно сказочная тематика позволяет смело и органично работать с ярким и насыщенным цветом, многообразием и богатством фактур. Все, чего не может быть в жизни, доступно в сказке. 

Отличный пример грамотной работы со сказочным с применением современных технологий — картина из натурального шелка «Мой шелковый Конь-Огонь» Ирины Батьковой. Это мозаика, составленная из мелких кусочков шелка, оставшихся после производства одежды и порезанных на еще более мелкие «мазки». Они действительно напоминают живопись. Я хочу особенно отметить, что это очень грамотный апсайклинг, когда из остатков ткани создается произведение искусства. Стильная работа с фольклорной и сказочной тематикой не выглядит пошло. Разноцветные вихри напоминают скопления галактик и звезд, которые благодаря текстуре шелка приобретают действительно холодноватое космическое свечение. 

Лично у меня возникают ассоциации с русским авангардом: аналитической живописью Павла Филонова и «Купанием красного коня» Кузьмы Петрова-Водкина, только изображенного в манере, характерной для русских народных росписей: от прялок до советских открыток. Кстати, о связи современного предметного дизайна с русским искусством начала ХХ века нужно сказать отдельно. 

Возвращение к конструктивистской форме

Все очевиднее сейчас становится мода на простые модернистские формы. В российском контексте я бы это назвал «поворот к конструктивизму». Использование простой геометрии, как бы составленность предметов из конструктора, универсальность. В колористических решениях — локальные цвета, либо простые и яркие (красный, желтый, синий), либо монохром. Все это было модно сто лет назад, в 1920–1930-е годы, и мне кажется, тенденция возвращается сейчас. 

Главное отличие в том, что конструктивисты стремились сделать предметы быта максимально удобными и функциональными в использовании, а теперь акцент делают на эстетике. Хотя, конечно, и тогда были исключения. К примеру, агитационный фарфор Малевича был совершенно непригоден для повседневной жизни.

Современный пример конструктивизма — серия шликерной (из фарфоровой массы) глазурованной посуды «Кувшин» Анастасии Николаевой. С одной стороны, кувшины были самой распространенной утварью Древней Руси, с другой — художница интерпретирует эту форму абсолютно модернистски. Кувшины собраны из цилиндров и конусов, диктующих простую рубленую геометрию. Такая брутальность и одновременно простота выглядят очень современно, при этом считывается влияние Малевича, Родченко, Лисицкого и других художников прошлого века.

Футуризм и ретрофутуризм 

К слову, об использовании простой геометрии: нужно упомянуть о запросе на футуризм и ретрофутуризм в дизайне. Людей постоянно тянет заглянуть в будущее, но на философском уровне никто не придумал, как оно будет выглядеть. Поэтому мы интерпретируем что-то космическое и высокотехнологичное или просто стремимся создать необычную форму. 

Интересно, что сейчас это смешивается и с обращением к сказочному. Так, светильники в виде кокошника Бабы-Яги и короны Кощея Бессмертного выглядят достаточно необычно. За счет того, что они сделаны из железных прутьев и полупрозрачной тонкой бумаги, есть ощущение проницаемости. Их форма вполне абстрактна, без уточняющих деталей, поэтому не сразу понятно, кокошник это, космический шлем или вообще прибор для путешествий во времени. 

«Обытовление» религиозного

Интересным открытием для меня стал поворот дизайнеров к религиозности. И он не только в использовании для интерьерной живописи золотых фонов. Хороший пример тому — работа «Мадонна» Жени Балдиной, художницы из Пермского края. В качестве основы использовалась деревянная крышка от двухсотлетней зерновой бочки. Очень трогательно на ней смотрятся вырезанные молодая Мадонна с младенцем на руках в окружении голубых рыбок.

Объемные резные иконы — исключительно пермская традиция, которая сложилась благодаря широкому распространению язычества в регионе. Поэтому «Мадонна» затрагивает очень важный вопрос причастности к локальной традиции и работает с местной культурой и особенностями. Я сам родился в Сибири, в Красноярске, поэтому мне очень близка эта тема. Для того чтобы поместить подобную работу в свой личный интерьер, ее, конечно, надо почувствовать.

Вообще, я считаю, что сегодня очень сложно делить дизайн на «русский» и «нерусский». Есть какие-то общемировые тенденции, есть региональные, а есть особенные авторские фишки. И все это существует в неразрывном симбиозе и постоянном развитии.