О «порывах» и «дуновениях». Семь художников разных поколений на юбилейной выставке pop/off/art
Проект «Порывы и дуновения», по сути, реверанс коллекционерам, с которыми pop/off/art работал все эти годы. «В экспозиции представлены работы из собрания коллекционеров, с которыми мы сотрудничали, шли бок о бок все эти двадцать лет. Галерея существовала и существует сегодня во многом благодаря им. Теперь мы заново собираем некогда выставлявшиеся в pop/off/art работы и складываем их в диалог. Выставка “Порывы/Дуновения” задумана для того, чтобы показать различные направления искусства, которым мы занимаемся вот уже 20 лет», — рассказала «Снобу» Анастасия Котельникова, главный искусствовед pop/off/art и директор филиала галереи pop/off/art 2.0 в Большом Палашевском переулке.
Ретроспектива реализованного галереей получилась обширной: выставка в Цехе Красного охватывает историю современного российского искусства с 1959 года. В экспозицию вошли произведения классиков нонконформизма — Эрика Булатова и Евгения Михнова-Войтенко, а также работы современных авторов — Аси Заславской, Василия Кононова-Гредина, Михаила Левиуса. Последних pop/off/art поддержала и на персональных проектах. Так, Василий создал тотальную инсталляцию «Структура — язык сознания», которая была представлена в ТЦ «Цветной». А работы Михаила можно увидеть в Санкт-Петербурге — соло-выставка City Of Lost Adults проходит в галерее Anna Nova до 16 марта.
«Проект “Порывы и дуновения” курирует Иван Новиков — художник нашей галереи, историк и теоретик, один из лидеров своего поколения. Он нашел ряд метафор, которые позволяют объединить столь непохожих друг на друга авторов нашей галереи, от классиков Эрика Булатова и Ростислава Лебедева до молодежи: Аси Заславской и Василия Кононова-Гредина. Посмотрите, как неожиданно такие разные работы, проданные за долгие годы нашей активности, обретают созвучия в галерейном ансамбле», — рассказывает о выставке основатель pop/off/art Сергей Попов.
Евгений Михнов-Войтенко, «Композиция»
Евгений Михнов-Войтенко — это советский абстракционист периода оттепели. Художников вроде него и, например, Юрия Злотникова называют представителями второго русского авангарда, так как они обращаются к беспредметному искусству. На выставке «Порывы и дуновения» представлена работа Михнова-Войтенко 1959 года — нитроэмаль на картоне. Важно понимать, что Евгений — художник-нонконформист, а они были вынуждены работать в довольно стесненных условиях. И работа 74 х 100 для художника того периода — это достаточно большой формат. И это редчайшая, музейного уровня вещь, поскольку таких Евгений создал совсем немного.
«В период, когда Михнов-Войтенко создает произведения нитроэмалью, он работает с направлением абстрактного экспрессионизма. Тогда советские авторы познакомились с американским абстракционизмом: работы Поллока привезли на VI Всемирный фестиваль молодежи и студентов в 1957 году. Чем важна нитроэмаль для нас и для российского искусства? Михнов-Войтенко не просто провел какие-то опыты, поэкспериментировал и забыл. На самом деле он воспроизвел целое направление в искусстве, “абстрактный экспрессионизм” — и последовательно занимался им до конца жизни», — рассказывает Анастасия Котельникова.
Эрик Булатов, «Зима» и «Рай»
Эрика Булатова можно смело называть хедлайнером современного российского искусства. Он может похвастаться статусом не только одного из наиболее известных представителей постсоветского совриска, но и одного из самых дорогих в мире художников из числа ныне живущих. Без его работ на выставке «Порывы и дуновения» нельзя было обойтись. В экспозицию вошли две работы Булатова: «Зима» 1989 года и «Рай» 1995-го. Оба произведения представляют собой исследование метафизического пространства картины, где пейзаж выступает посредником.
«На работах Булатова есть горизонт и глубина, у него везде присутствует линейная перспектива, где мы видим несколько планов: передний, средний, дальний. Зритель уходит внутрь, углубляется в пространство. Так, например, происходит и с другими его работами — “Свобода”, “Иду”, “Куда идут облака”. “Зима”, которая представлена у нас, — это подготовительное произведение к полномасштабному двухметровому полотну. Булатов всегда размышляет о плоскости картины и экранности самой живописи. Его философские размышления о картине и разных пространствах сыграли ключевую роль в развитии российского изобразительного искусства второй половины ХХ века», — подчеркивает Котельникова.
Михаил Рогинский, «Длинное собрание»
В отличие от Михнова-Войтенко, который представляет собой эталон оттепельной абстракции, шестидесятник Михаил Рогинский, скорее, существует где-то на грани между оттепелью и перестройкой. В своем искусстве он вел летопись советского быта и даже называл себя документалистом от мира искусства, выбирая главными героями своих произведений очевидно-неочевидные элементы быта советского человека. Основную часть своей жизни он прожил в СССР, но в 1978 году переехал в Париж. Но и там Рогинский писал советские очереди и собрания, коммуналки и гастрономы. Одна из самых известных его работ — «Дверь» 1965 года, а также всевозможные изображения метлахской плитки, которую активно использовали в оформлении интерьеров в СССР. В экспозицию «Порывов и дуновений» вошла живопись Рогинского 2001 года — «Длинное собрание».
«Михаил Рогинский — достаточно цельный и работающий в одном направлении художник, как и Михнов-Войтенко, как и Булатов, которые гнут свою линию и формируют свой вкус в одном ключе. Одна из тем, интересующих Рогинского, — социалистическое общество и его быт. Он был наследником этой традиции, культуры и идеологии и продолжал посвящать всего себя этой теме в живописи. В работе “Длинное собрание” непосредственно изображенное на холсте собрание представлено коллективным телом — мы, зрители, обращены в сторону слушающих, наблюдаем за ними. В этом визитная карточка Рогинского, его зритель очень часто присутствует в художественном пространстве. Персонажи, которых он изображает, их лица — у Рогинского они очень типологичны», — объясняет Анастасия Котельникова.
Ольга Чернышева, Nonresident Family At Work In The City
Ольга Чернышева работает с темой маленького человека — в чем-то ее искусство перекликается с художественными интересами Рогинского, поэтому и на выставке их работы расположены рядом. Ольга изображает новую, постсоветскую Россию, а ее герой — человек малой судьбы. Серия Nonresident Family At Work In The City изображает семью мигрантов, которые оказались в чужой стране без документов и работают неофициально. Герои Чернышевой облачаются в рекламные костюмы в виде разных сэндвичей и сосисок в тесте — они живут жизнью людей-баннеров, за которыми прохожие не видят личности, воспринимают «зазывал» как маргиналов.
«У Ольги очень гуманистический взгляд на своих героев. Она трепетно к ним относится, точно подбирает и сюжет, и композицию. И конечно, Ольга — потрясающий рисовальщик и график. В 2022 году она стала лауреатом премии европейского Фонда современного искусства Даниэля и Флоранс Герлен в номинации “Рисунок 2022”. А вообще, Ольга достаточно мультимедийный художник: она известна своими видео-артом, фотографией, живописью. И карандаш — это уже, пожалуй, дополняющая техника к ее мультимедийным проектам», — делится Анастасия Котельникова.
Владимир Потапов, «Маркс, Энгельс, Ленин»
Если изъясняться архитектурной терминологией, то Владимир Потапов пишет свои произведения «сграффито». Но в то же время его принято считать живописцем — экран, плоскость, иллюзия перспективы и объема в его работах присутствуют, а значит, он выполняет все условия, чтобы его работы назывались живописными. Крафтовый процесс заключается в том, что Владимир наносит множество слоев акрила на деревянную основу, а затем прорезает изображение инструментами. Примечательно, что его техника понемногу меняется из года в год.
«Владимир Потапов переосмысляет живопись с концептуальной точки зрения. Он размышляет над самой технологией, и в этой области он экспериментатор. У него есть произведения, где он использует, помимо прочего, отражающую пленку и жженую бумагу — максимально отходит от прошлых идей и движется в поисках новых. По сути, Владимир — художник проектов. Каждый раз, создавая новый цикл, он перепридумывает свою технику заново. Его сюжеты зачастую завязаны на социальной повестке, иногда они сложнофилософские, иногда — на злобу дня. Здесь и сейчас он — остроактуальный художник, который создает настоящее современное искусство», — говорит Котельникова.
Виталий Пушницкий, «Видение Гамлета его отцу»
Виталий Пушницкий — живописец из Санкт-Петербурга, который работает с сюжетными философскими темами, например размышляет о человеческой природе. Герой работы «Видение Гамлета его отцу» — это робот, спрятавшийся глубоко в корнях дерева, тянущийся к нерукотворному естеству, будучи созданным человеком. И череп, который он держит в руке, — человеческий, в рифму к метафоре человека — отца технологий.
«Художественный интерес Виталия Пушницкого — постхьюман-отношения, смерть и переход из одного состояния в другое, философия человеческой природы и нечеловеческих агентов. Ему интересно то, как в мире взаимодействует живое и неживое, рукотворное и нерукотворное. И он тоже художник проектов. То есть чаще всего его живопись — это кусочек большого высказывания-пазла, целой серии, посвященной той или иной теме. Живопись Пушницкого — первоклассного уровня, он потрясающий колорист. Мне кажется, у него большой круг последователей и учеников, которые пытаются скопировать его живописные ходы — пожалуй, он такой законодатель трендов именно в технике живописи из серии “холст-масло” или “холст-акрил”», — объясняет Анастасия Котельникова.
Василий Кононов-Гредин, из серии «Антиформы»
Василий Кононов-Гредин — один из самых молодых художников-резидентов галереи pop/off/art. Свои инсталляции он создает не из художественных материалов — например, глины или бумаги, а из предметов быта.
«Я бы сказала, что Василий заигрывает с Дюшаном. Дюшан приносит писсуар, а Василий — бензопилу. Он собирает скульптуру или ассамбляж из разобранной бензопилы, вот такой получается парафраз. Художник вписывает в свои объекты концептуальную идею — переосмысление повседневности и человеческих нужд. И конечно, это новое слово в российском современном искусстве», — заключает Анастасия Котельникова.
Мероприятия, приуроченные к двадцатилетию галереи pop/off/art, на этом не заканчиваются. Сергей Попов рассказал «Снобу», что праздновать юбилей будут в течение всего 2025 года — в разных форматах. Совсем скоро галерист обещает выпустить ретроспективный каталог, а впереди маячат насыщенная выставочная программа и музыкальный сюрприз.
«Мы запланировали выставку в Казани, которая покажет классиков нашей галереи — она будет осенью. Возможно, проведем событие совместно с нашими партнерами, петербургской галереей Anna Nova — у них тоже скоро грядет двадцатилетний юбилей. Еще один наш проект не только об искусстве — мы даем заказ крупнейшим современным композиторам на сочинение музыки, связанной с нашей галереей и ее художниками», — поделился Сергей Попов со «Снобом».
Выставка «Порывы и дуновения» проходит на Винзаводе, в Цехе Красного, до 23 марта. Прямо сейчас pop/off/art разрабатывает параллельную программу к выставке: в частности, в нее войдут кураторские экскурсии с Иваном Новиковым и круглый стол, посвященный истории современного российского искусства.
Подготовила Катерина Алабина